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jueves, 20 de mayo de 2010
PORTAFOLIO APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Mi portafolio tiene como objetivo mostrar el proceso de actividades realizadas en el curso de apreciación artística, como también analizar y aclarar conceptos con reflexiones sobre las visitas que realizamos al Museo Cementerio San Pedro y al Museo de LA Universidad de Antioquia. En este portafolio se expondrán algunas sintonizaciones de las exposiciones realizadas en clase y talleres.
Según la Real Academia de La Legua española arte es una virtud una disposición y habilidad para hacer algo. También es un manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginario con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
Una abstracción es una modalidad artística que transcribe lo expresado acentuando los aspectos formales, estructurales o cromáticos, sin atender a las imitación material.
Por ello es importante para un comunicador conocer sobre el arte saber criticar o almiararlo desde las diferentes enseñanzas que se obtuvieron gracias al curso y todas las diferentes expresiones por lo que se represente en esta virtud en el ser humano.
El docente Paolo Villalbasts que fue el que comenzó a dictar este curso, nos enseño muchos conceptos que también me sirve para analizar el arte, como los diferentes estilos, el comportamiento estético, las intervenciones o alteraciones, el arte público, arte efímero, soporte, el arte en el cuerpo entre otros.
En el transcurso del curso se realizaron diferentes actividades temáticas que nos factibles para comprender los diversos conceptos del artes y sus expresiones antiguas.
El curso tubo un aprendizaje significativo que me servirá para un futuro como profesional y personal así mismo las visitas a los diferentes museos me permitió observar que nuestra ciudad está llena de un monto de lugares donde el arte es lo primordial.
Según la Real Academia de La Legua española arte es una virtud una disposición y habilidad para hacer algo. También es un manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginario con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
Una abstracción es una modalidad artística que transcribe lo expresado acentuando los aspectos formales, estructurales o cromáticos, sin atender a las imitación material.
Por ello es importante para un comunicador conocer sobre el arte saber criticar o almiararlo desde las diferentes enseñanzas que se obtuvieron gracias al curso y todas las diferentes expresiones por lo que se represente en esta virtud en el ser humano.
El docente Paolo Villalbasts que fue el que comenzó a dictar este curso, nos enseño muchos conceptos que también me sirve para analizar el arte, como los diferentes estilos, el comportamiento estético, las intervenciones o alteraciones, el arte público, arte efímero, soporte, el arte en el cuerpo entre otros.
En el transcurso del curso se realizaron diferentes actividades temáticas que nos factibles para comprender los diversos conceptos del artes y sus expresiones antiguas.
El curso tubo un aprendizaje significativo que me servirá para un futuro como profesional y personal así mismo las visitas a los diferentes museos me permitió observar que nuestra ciudad está llena de un monto de lugares donde el arte es lo primordial.
QUE ES UN PERFORMANCE
Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.
- El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
- La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
- Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
- La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
- El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.
http://es.wikipedia.org/wiki/Performance
http://es.wikipedia.org/wiki/Performance
EL DESARROLLO DEL ARTE EN COLOMBIA EN LOS ULTIMOS 200 AÑOS
El desarrollo del arte en Colombia viene desde las diferentes culturas, desde el origen del mestizaje cultural de los pueblos nativos y la influencia de la colonización española y europea permitió la cultura del país. Por ello el arte en Colombia se dio a consecuencia del apartamiento entre las diferentes culturas y sus geografías, de esta manera se han desarrollado con el paso de los anos un arte distintivo y variado que permite el posicionamiento de este en Colombia.
En el arte en Colombia se dio el arte moderno en el siglo XX, teniendo varias características como el interés por las manifestaciones artísticas, las explotaciones autenticas del hombre que le permitían con las diferentes expresiones del cuerpo críticas o hacer un alegato de algo que no están de acuerdo y que en muchas ocasiones los seres humanos no tiene el suficiente criterio para hacerlo.
Por otro lado en el museo de universidad de Antioquia muestra una cantidad de pinturas y escultura como también diferentes tipos de artes, que dan al visitante una mirada a que las diversas culturas de Colombia están marcadas por toda la naturaleza, la fauna y toda la arquitectura que esta en todos los recorridos del país.
Las pinturas y esculturas están rodeadas de un creatividad que permite criticar o manifestar todas aquellas quejas o admiraciones que tiene frente a todos los cambios que a tenido nuestro país con el paso de los anos, como también recordar como fue la cultura del país en los últimos 200 anos.
Así mismo el arte en Colombia esta marcado por las diferentes tribus como, los chicas, guayu, arhuacos, taironas, muiscas entre otras que han permitido con sus creencias y costumbres dejar una huella en la historia del arte en Colombia.
En el museo la universidad de Antioquia con sus diferentes instalaciones dividido en secciones muestra el arte colombiano desde las diferentes perspectivas, como el política dando alusión a todos los cambios que este a tenido en el transcurso de los anos criticando o aludiendo todos los actos políticos y noticiosos que a tenido el país a consecuencia de la violencia, también en otra instalación se muestra como las culturas y tribus indígenas creaban sus propios atuendos, sus figuras de barro representativas y todas aquellas manifestaciones artísticas siempre se van refleja en la cultura moderna.
En otra instalación se muestra la naturaleza y los animales que el mayor arte del país, y es verdad Colombia esta rodeado de toda esta flora y fauna que dan vida y se transforma a través de diferentes obras de arte que artistas quieren mostrar a través de la naturaleza.
Para concluir Colombia esta llena de arte y esta viene de un pasado cultura que nunca se olvidara porque siempre se adaptara a la modernidad.
En el arte en Colombia se dio el arte moderno en el siglo XX, teniendo varias características como el interés por las manifestaciones artísticas, las explotaciones autenticas del hombre que le permitían con las diferentes expresiones del cuerpo críticas o hacer un alegato de algo que no están de acuerdo y que en muchas ocasiones los seres humanos no tiene el suficiente criterio para hacerlo.
Por otro lado en el museo de universidad de Antioquia muestra una cantidad de pinturas y escultura como también diferentes tipos de artes, que dan al visitante una mirada a que las diversas culturas de Colombia están marcadas por toda la naturaleza, la fauna y toda la arquitectura que esta en todos los recorridos del país.
Las pinturas y esculturas están rodeadas de un creatividad que permite criticar o manifestar todas aquellas quejas o admiraciones que tiene frente a todos los cambios que a tenido nuestro país con el paso de los anos, como también recordar como fue la cultura del país en los últimos 200 anos.
Así mismo el arte en Colombia esta marcado por las diferentes tribus como, los chicas, guayu, arhuacos, taironas, muiscas entre otras que han permitido con sus creencias y costumbres dejar una huella en la historia del arte en Colombia.
En el museo la universidad de Antioquia con sus diferentes instalaciones dividido en secciones muestra el arte colombiano desde las diferentes perspectivas, como el política dando alusión a todos los cambios que este a tenido en el transcurso de los anos criticando o aludiendo todos los actos políticos y noticiosos que a tenido el país a consecuencia de la violencia, también en otra instalación se muestra como las culturas y tribus indígenas creaban sus propios atuendos, sus figuras de barro representativas y todas aquellas manifestaciones artísticas siempre se van refleja en la cultura moderna.
En otra instalación se muestra la naturaleza y los animales que el mayor arte del país, y es verdad Colombia esta rodeado de toda esta flora y fauna que dan vida y se transforma a través de diferentes obras de arte que artistas quieren mostrar a través de la naturaleza.
Para concluir Colombia esta llena de arte y esta viene de un pasado cultura que nunca se olvidara porque siempre se adaptara a la modernidad.
EL ARTE EN LA MUERTE
Hablar de la muerte a algunos humanos les puede producir angustia y temor, pero si miramos el arte en la muerte puede parecer un poco raro, según la real academia de la lengua española el arte es manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginario con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
Por ello el arte es un componente de la cultura, de esta manera se relaciona con las realidades y vivencias de los seres humanos, con un fin estético y comunicativo expresando emociones, sensaciones e ideas en diferentes visiones del entorno como por ejemplo la muerte.
Por ello el arte es un componente de la cultura, de esta manera se relaciona con las realidades y vivencias de los seres humanos, con un fin estético y comunicativo expresando emociones, sensaciones e ideas en diferentes visiones del entorno como por ejemplo la muerte.
El Museo Cementerio de San Pedro es un espacio para la difusión artística con obras esculturales y arquitectónicas, como monumentos con figuras representativas de la historia de Antioquia personificando el arte funeral, de este modo muchas personas que visitan el cementerio, pensando que es un lugar de muertos se dan cuenta que está lleno de arte, aplacando sus sentimientos de temor, con una percepción reflexiva y objetividad sobre el arte funerario.
En las esculturas y los monumentos del cementerio sobresalen los movimientos o estilos artísticos como el clásico, romanticismo, neoclásico, barroco y renacimiento que permiten que diferentes estudios como la filosofía, sociología, antropología que son demostrados en el arte fúnebre.
Uno de los mausoleos que más llama la atención es el de Carlos Coriolano Amador en este vemos a su madre llorando a su hijo por su muerte en ella se ve la nostalgia nos desde la oscuridad de miedo sino desde la forma como su madre llora a su ser amado.
Marc chagall pintor francés de origen bielorruso dice que “el arte es sobre todo un estado del alma, así mismo George Bernard Shaw que fue un escritor irlandés dice que “los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma. Estos personajes hacen pensar que esas almas son las que descansan en el cementerio San Pedro y que están envueltas en una fantasía artística donde la muerte es su principal representante.
En las esculturas y los monumentos del cementerio sobresalen los movimientos o estilos artísticos como el clásico, romanticismo, neoclásico, barroco y renacimiento que permiten que diferentes estudios como la filosofía, sociología, antropología que son demostrados en el arte fúnebre.
Uno de los mausoleos que más llama la atención es el de Carlos Coriolano Amador en este vemos a su madre llorando a su hijo por su muerte en ella se ve la nostalgia nos desde la oscuridad de miedo sino desde la forma como su madre llora a su ser amado.
Marc chagall pintor francés de origen bielorruso dice que “el arte es sobre todo un estado del alma, así mismo George Bernard Shaw que fue un escritor irlandés dice que “los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma. Estos personajes hacen pensar que esas almas son las que descansan en el cementerio San Pedro y que están envueltas en una fantasía artística donde la muerte es su principal representante.
EXPOSICIONES DE ARTE
COSMOGONIA
Es una narración mítica que pretende dar respuesta al origen del Universo y de la propia humanidad. Gener
almente, en ella se nos remonta a un momento de pre-existencia o de caos originario, en el cual el mundo no estaba formado, pues los elementos que habían de constituirlo se hallaban en desorden; en este sentido, el relato mítico cosmogónico presenta el agrupamiento -paulatino o repentino- de estos elementos, en un lenguaje altamente simbólico, con la participación de elementos divinos que pueden poseer o no atributos antropomorfos.
La Cosmogonía pretende establecer una dimensión de realidad, ayudando a construir activamente la percepción del universo (espacio) y del origen de dioses, hombres y elementos naturales. A su vez, permite apreciar la necesidad del ser humano de concebir un orden físico y metafísico que permita conjurar el caos y la incertidumbre.
EL PALEOLITICO
Es una narración mítica que pretende dar respuesta al origen del Universo y de la propia humanidad. Gener
almente, en ella se nos remonta a un momento de pre-existencia o de caos originario, en el cual el mundo no estaba formado, pues los elementos que habían de constituirlo se hallaban en desorden; en este sentido, el relato mítico cosmogónico presenta el agrupamiento -paulatino o repentino- de estos elementos, en un lenguaje altamente simbólico, con la participación de elementos divinos que pueden poseer o no atributos antropomorfos.
La Cosmogonía pretende establecer una dimensión de realidad, ayudando a construir activamente la percepción del universo (espacio) y del origen de dioses, hombres y elementos naturales. A su vez, permite apreciar la necesidad del ser humano de concebir un orden físico y metafísico que permita conjurar el caos y la incertidumbre.
EL PALEOLITICO
Es una etapa de la prehistoria caracterizada por el uso de útiles de piedra tallad
a; aunque, también se usaban otras materias primas orgánicas para construir diversos utensilios: hueso, hasta, madera, cuero, fibras vegetales, etc. (mal conservadas y poco conocidas).
Es el período más largo de la historia del ser humano (de hecho abarca un 99% de la misma), se extiende desde hace unos 2,5 millones de años (en África) hasta hace unos 10.000 años. Etimológicamente significa Edad Antigua de la Piedra (παλαιός, paleos=antiguo, y λίθος, lithos=piedra), el término fue creado por el arqueólogo John Lubbock en 1865, por oposición al Neolítico (edad moderna de la piedra); constituyendo juntas lo que se denomina Edad de Piedra (se insiste en la elaboración de utensilios de piedra para establecer la oposición a la Edad de los Metales). El hombre del Paleolítico era nómada, es decir, se establecía en un lugar y se quedaba en él hasta agotar los recursos naturales.
El Paleolítico se caracteriza, a grandes rasgos, por la utilización de instrumentos gruesos, pesados, difíciles de manejar, mal trabajados en su mayoría. No tienen plena capacidad constructora. herramientas de piedra tallada, de ahí su nombre. Tradicionalmente el Paleolítico se divide en tres períodos, el Paleolítico Inferior, el Paleolítico Medio y el Paleolítico Superior; a él se le añade un período terminal llamado Epipaleolítico.
ARTE ABSTRACTO
Es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
EL CUBISMO
fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por pequeños cubos. Se originó así el concepto de cubismo.
EPOCA VANGUARDIA
Es una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX. Estos movimientos buscaban innovación en la producción artística, se destacaban la relación entre arte y vida; y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.
El arte del siglo XX se ve fuertemente influenciado por la situación mundial política y social del momento.
Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción.
La crisis europea y la crisis de la bolsa estadunidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta.
El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron huella en el arte, como el arte pop. La vanguardia a través de varios movimientos abordan la renovación del arte y la pregunta por su función social, por medio de representaciones o expresiones artísticas en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura, música entre otros.Estos principales movimientos artísticos renovadores, se produjeron en Europa, desde donde se expandieron al resto de los continentes, principalmente América en donde se enfrentaron al modernismo.
El arte del siglo XX se ve fuertemente influenciado por la situación mundial política y social del momento.
Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción.
La crisis europea y la crisis de la bolsa estadunidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta.
El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron huella en el arte, como el arte pop. La vanguardia a través de varios movimientos abordan la renovación del arte y la pregunta por su función social, por medio de representaciones o expresiones artísticas en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura, música entre otros.Estos principales movimientos artísticos renovadores, se produjeron en Europa, desde donde se expandieron al resto de los continentes, principalmente América en donde se enfrentaron al modernismo.
EL RENACIMIENTO
Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
El nombre "renacimiento" se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por cierto antropocentrismo.
El historiador y artista Giorgio Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.
De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opuso al arte contemporáneo del norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».
Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido muchísimo; generalmente, con el término "humanismo" se indica el proceso innovador, inspirado en la Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de las realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XIV y XV.
El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el asenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista.
El nombre "renacimiento" se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por cierto antropocentrismo.
El historiador y artista Giorgio Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.
De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opuso al arte contemporáneo del norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».
Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido muchísimo; generalmente, con el término "humanismo" se indica el proceso innovador, inspirado en la Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de las realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XIV y XV.
El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el asenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista.
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